En View from the Artist’s Window (1978), la pintora estadounidense Alice Neel capturó una imagen familiar para los neoyorquinos (y otros habitantes de la ciudad): la del edificio de apartamentos frente al suyo. Para Neel, quien es objeto de una retrospectiva actualmente en el Museo Metropolitano de Arte , esas escenas de la vida en la ciudad de Nueva York impulsaron su arte. Como dijo sobre el espacio que era tanto su casa como su estudio, «Realmente vivo en las ventanas de mi habitación, que dan a Broadway desde la calle 107. Es como tener una calle en la sala de estar». Con este comentario y esta pintura, Neel destacó un motivo que cautivó a los artistas durante mucho tiempo: la vista a través de una ventana al mundo exterior.

Tanto las propiedades formales de una ventana como su papel de mediador entre el interior y el exterior han otorgado a este elemento arquitectónico cotidiano un poder fascinante en el arte. A veces, una composición puede incluir una ventana y la luz que deja entrar, pero no su vista. Tal es el caso de La niña leyendo una carta en una ventana abierta de Johannes Vermeer (c 1657-59), que, después de una reveladora restauración, es la pieza central de la inauguración de una exposición en Dresde a finales de este año . La ventana también se ha representado desde el exterior mirando hacia dentro y en varios medios. Ejemplos relativamente recientes incluyen la tela y pintura Street Story Quilt de Faith Ringgold (1985), que representa un edificio de apartamentos en Harlem, y la fotografía a gran escala de Andreas Gursky Avenue of the Americas. (2001).

En Vista desde la ventana del artista (1978), Alice Neel capturó una imagen familiarizada con los habitantes de la ciudad (Crédito: Estate of Alice Neel)

En Vista desde la ventana del artista (1978), Alice Neel capturó una imagen familiarizada con los habitantes de la ciudad (Crédito: Estate of Alice Neel)

Durante el año pasado, las ventanas y sus vistas también han sido características de nuestros hogares que muchos de nosotros hemos tenido más tiempo para considerar. El deseo de ver otras perspectivas durante este período incluso ha llevado a proyectos como WindowSwap , un sitio web que prácticamente te transporta a ver a través de la ventana de otra persona en otra parte del mundo. Entonces, si bien hay varias formas en que la ventana se representa en el arte, con el espíritu de reapertura, aquí están algunas de las pinturas más famosas de la historia del arte que cuentan con ventanas que miran hacia afuera .

Windows en el mundo

La idea de que una pintura era como una ventana revolucionó el arte occidental. Al artista / arquitecto italiano Filippo Brunelleschi se le atribuye ser el primero en hacer esta conexión en los primeros años del Renacimiento, y luego fue codificada por Leon Battista Alberti en su tratado seminal de 1435 De Pictura.(Sobre la pintura). Alberti escribe: «En primer lugar sobre dónde dibujo. Inscribo un cuadrilátero de ángulos rectos, del tamaño que deseo, que se considera una ventana abierta a través de la cual veo lo que quiero pintar». A partir de aquí, el método matemático de Brunelleschi de perspectiva lineal, donde las líneas paralelas en ángulo recto con el plano de la imagen parecen converger eventualmente en un punto de fuga, proporciona la ilusión de profundidad. Las personas y los objetos representados a lo largo de estas líneas ortogonales (ocultas) se vuelven más pequeños a medida que se alejan en la distancia, como si realmente los estuviéramos viendo a través del espacio circunscrito de una ventana.

Los románticos encontraron un símbolo potente para la experiencia de estar en el umbral entre el mundo interior y el exterior: Sabine Rewald

Durante los siguientes cinco siglos, el arte occidental se adhirió al concepto de que una imagen funciona como una ventana al mundo. El marco de la pintura reproduce el marco de una ventana; el plano de la imagen plana se convierte en una ilusión de una escena real. Y las obras que incluyen representaciones de ventanas dentro de sus realidades construidas permiten jugar aún más con este ilusionismo. En Madonna of Chancellor Rolin de Jan van Eyck(c 1433-34), por ejemplo, la hábil articulación del espacio del artista ayuda a persuadir al espectador de que la audiencia de Rolin con la Virgen y el Niño podría haber tenido lugar. La habitación y las figuras parecen reales. Este realismo se ve reforzado por la vista a través de las ventanas arqueadas, que revela un jardín contiguo y un paisaje de gran alcance y exquisitamente detallado. Aparte de su significado simbólico (y la pintura está impregnada de simbolismo cristiano), la triple apertura permite que la luz y el aire llenen la habitación. También atrae la atención del espectador, ayudado por los dos observadores en el balcón, hacia el entorno bucólico.

Si bien la ventana aparece en pinturas a lo largo del período moderno temprano, fue a principios del siglo XIX cuando adquirió un papel más autónomo y un nuevo significado. Como escribe Sabine Rewald en el catálogo Rooms with a View: The Open Window in the 19th Century , publicado para acompañar una exposición de 2011 en el Met, en el motivo de la ventana abierta, «los románticos encontraron un símbolo potente para la experiencia de estar de pie en el umbral entre un mundo interior y exterior «. Caspar David Friedrich (1774-1840) fue el pintor romántico más famoso de Alemania y el primero en capitalizar el potencial poético del motivo. Este poder de sugestión se materializa en su Mujer en una ventana de 1822.

La pintura muestra una figura mirando por una ventana abierta hacia un río, que, además de una breve franja azul, está indicado por los mástiles y los aparejos de dos barcos. Los historiadores del arte han identificado la habitación como el estudio de la casa de Friedrich en el río Elba en Dresde, y la modelo como su esposa, Caroline. Situada de espaldas a nosotros, la delgada figura de la mujer y la suavidad y brillo de su vestido enfatizan la cruda inmensidad de la arquitectura, al igual que los tonos oscuros del interior se equilibran con la luz y la vitalidad del paisaje natural. Aunque incluso en este caso, la pequeña franja de follaje verde brillante y la hilera de álamos, visibles a través de la modesta abertura de la ventana, contrastan con la extensión del cielo azul que se ve a través de los grandes paneles de vidrio de arriba.

Estos contrastes pictóricos, combinados con la enigmática imagen de una figura de espaldas a nosotros, han hecho que la obra haya suscitado múltiples interpretaciones, desde la connotación de pasaje religioso, hasta la expresión de encierro y añoranza. Ciertamente, el anhelo no desagradable de otro lugar o tiempo fue característico del romanticismo, al igual que la creencia en la expresión individual y la emoción subjetiva. El dominio del trabajo de Friedrich es que permite todas estas lecturas. Quizás lo más relevante para nuestro tiempo actual es que, en su representación de una mujer mirando a través de una ventana al mundo exterior, esta imagen de quietud pensativa también evoca un profundo sentido de posibilidad.

Pintores de la vida moderna

Este sentimiento de posibilidad es aún más agudo en El hombre en un balcón de Gustave Caillebotte, Boulevard Haussmann. Pintada en 1880, la vista representada es desde el apartamento del artista en París y es representativa del impulso de los impresionistas de retratar escenas de la vida contemporánea. Man on a Balcony registra la nueva y moderna metrópolis tras la reconstrucción de la ciudad vieja por parte del barón Haussmanna petición de Napoleón III. Característico del estilo Haussmann son los majestuosos edificios de apartamentos de color crema, con sus techos abuhardillados y balcones, que bordean el bulevar nombrado en honor al urbanista. La increíble vitalidad de la escena se logra, en parte, por el contraste entre estas grandes fachadas y el verde resplandeciente de los árboles. Y aunque no hay personas visibles en la calle, la obra captura la emoción de la vida de la ciudad en un hermoso día de primavera. Recuerda, en forma pictórica, parte de la apertura de Mrs Dalloway (1925) de Virginia Woolf:

«Y luego, pensó Clarissa Dalloway, qué mañana, fresca como para niños en una playa».

¡Qué alondra! ¡Qué zambullida! Porque así siempre le había parecido, cuando, con un leve chirrido de las bisagras, que ahora podía oír, abrió las ventanas francesas y se lanzó al aire libre en Bourton.

Man on a Balcony (1880) de Gustave Caillebotte retrata la emoción de la vida de la ciudad en un día de primavera (Crédito: Getty Images)

Pero el trabajo de Caillebotte no nos transporta al Londres de la señora Dalloway ni a la casa de campo de su familia en Bourton. En cambio, nos lleva al París de los impresionistas. Nuestro interlocutor de la ciudad es un espectador urbano, un flâneur , como describe Charles Baudelaire en El pintor de la vida moderna (1863). Este espectador solitario se deleita con el bullicio de la multitud, pero permanece apartado. Al igual que el espectador del cuadro de Caillebotte. La ventana abierta es nuestro mediador entre estos espacios públicos y privados, al igual que el balcón une a su ocupante con el mundo moderno más amplio.

Junto a la preocupación de los impresionistas por interpretar la vida cotidiana y los efectos fugaces de la luz, surgió un nuevo enfoque en las cualidades formales de la pintura. En El hombre en un balcón, por ejemplo, cualquier ilusión de profundidad creada por los árboles que se alejan se disuelve en el paso de verde entre la espalda del hombre y la ventana. Para las siguientes generaciones de artistas europeos de vanguardia, los efectos expresivos del color, la pincelada y el patrón de composición ganaron aún más precedencia sobre la representación naturalista. A lo largo de estas investigaciones estéticas, el motivo de la ventana mantuvo su poder, como lo demuestran obras expresionistas como Vista de una carnicería de Vincent van Gogh (1888) y Ventana abierta de Henri Matisse , Collioure.(1905). Este último, una pintura fundamental en el arte moderno, transforma la vista a través de la ventana abierta de una representación ilusionista de una escena vivida en una exuberante declaración del placer visual de pintar sobre lienzo.

Lo mejor de los museos son las ventanas – Pierre Bonnard

Open Window, Collioure fue una de las primeras interpretaciones de Matisse de una vista de ventana, pero fue un tema al que volvió a lo largo de su carrera. Como escribe Shirley Neilsen Blum en el libro de 2010 Henri Matisse: Rooms with a View , «las ventanas se fijan en el lugar de Matisse en el canon moderno». Lo mismo podría decirse de su buen amigo y colega colorista, Pierre Bonnard , quien, en una visita al Louvre, habría dicho que «lo mejor de los museos son las ventanas». Al igual que Matisse, Bonnard se sintió atraído por las posibilidades formales y evocadoras de la ventana y pintó el tema en numerosas ocasiones. Y la obra de Bonnard, también como la de Matisse, estuvo muy influenciada por la luz de la costa mediterránea.

En 1926 Bonnard y su esposa, Marthe de Méligny, compraron una pequeña casa, a la que llamaron Le Bosquet (The Grove), en Le Cannet, en el sur de Francia. Situada sobre Cannes, en un idílico paisaje natural, la reclusión de la propiedad se adaptaba a la práctica de trabajo concentrada de Bonnard y a la personalidad solitaria de De Méligny. La pareja abrió Le Bosquet al jardín, instalando ventanas francesas en ambos niveles y un balcón en el piso superior, y Bonnard pintó numerosas escenas desde el interior de la casa mirando hacia afuera (aunque generalmente no trabajaba desde la vida). El estudio con Mimosa(1939-46), que muestra la vista a través de la ventana de su estudio, es un ejemplo sorprendente del brillante colorido del artista. De hecho, el destello glorioso de las flores amarillas de mimosa distrae tanto que es fácil pasar por alto la figura en la esquina inferior izquierda.

Tales presencias fantasmales no son infrecuentes en las composiciones de Bonnard, pero aquí la figura puede haber añadido importancia. Bonnard trabajó en la pintura durante la Segunda Guerra Mundial y en 1942 de Méligny murió. Así como la ventana es un umbral entre el interior y el exterior, en The Studio marca un espacio liminal, donde los espíritus del pasado acompañan a los vivos en los colores luminosos de la naturaleza. Tal simbolismo continúa informando las imágenes contemporáneas de la ventana, como puede verse en la obra del artista canadiense Zachari Logan (n. 1980). En su dibujo al pastel de tiza Window No 1, Wave Hill (2019), que es parte de una exposición en el jardín Wave Hill en el Bronx., una vista a través de una ventana está parcialmente oscurecida por la hiedra que rodea sus cristales. Como la construcción de ventana-paisaje de Bonnard, el dibujo medita sobre el paso del tiempo. Es, como Logan le dice a BBC Culture, «en última instancia … un memento mori».

Una vista americana

Las posibilidades expresivas de la pintura exploradas por Matisse y Bonnard fueron impulsadas por los expresionistas abstractos. Pero para artistas como Jackson Pollock, la pintura ya no se alinea con la idea renacentista de ser como una ventana al mundo. En cambio, la atención se centró en el acto físico de la pintura. Y así, en gran parte del arte moderno, la representación de objetos de la vida real, incluidas las ventanas, comenzó a desaparecer. Pero junto al expresionismo abstracto, que se centró en Nueva York, hubo una serie de artistas realistas estadounidenses, incluido Edward Hopper (1882-1967). Y cualquier relato de las ventanas en la pintura está incompleto sin hablar de Hopper. Las ventanas son omnipresentes en su obra. Estaba fascinado por la arquitectura y describió los edificios y sus hileras de aberturas como sujetos independientes. También pintó vistas de ventana en primer plano, tanto desde el exterior mirando hacia dentro como desde el interior mirando hacia fuera. De la primera categoría,Nighthawks (1942) es quizás el ejemplo más famoso. De estos últimos, Morning Sun de 1952 ejemplifica el amor del artista por la luz y por la ciudad, especialmente por Nueva York.

Cuando era joven, Hopper realizó varios viajes formativos a París y sus pinturas trasponen la ciudad moteada de luz del sol de los impresionistas y su espectador urbano aislado al Manhattan de mediados del siglo XX. En Morning Sun, una mujer vestida con un slip rosa se sienta contemplativamente en una cama, bañada por la luz temprana que entra por la ventana (como era habitual en las representaciones de figuras femeninas de Hopper, su esposa Jo era la modelo). La vista reducida de la hilera de edificios de apartamentos, incluida una torre de agua omnipresente en la azotea, lleva al espectador a la ciudad de Nueva York tanto como cualquier foto de sus famosos monumentos. En su tranquila quietud, la pintura tiene un poder alusivo, y en julio de 2020 Katie White escribió en Artnet sobre su idoneidad durante el encierro . Pero quizás sea ahora, más que nunca, que Morning Sun es una imagen de nuestro tiempo.

Hopper valoraba la soledad, y sus obras frecuentemente representan a personas perdidas en sus propios pensamientos. Pero también disfrutaba de la vida urbana. Al describir lo que le gustaba hacer en Nueva York, donde residió durante mucho tiempo, Hopper dijo: «La mayor parte de mi placer la obtengo de la ciudad misma». Morning Sun captura ese momento solitario en casa antes de que preparemos nuestra personalidad pública y nos adentremos en la sociedad. Fue una experiencia que la mayoría de nosotros solíamos experimentar a diario. A medida que salimos del aislamiento, es algo a lo que tendremos que acostumbrarnos de nuevo. No está claro cómo la mujer de Hopper’s Morning Sun considera este momento: posiblemente con resignación, quizás con temor, pero también, uno espera, con fortaleza y anhelo. Después de todo, la mañana es un momento de renovación. Y a través de la ventana, el mundo está esperando.

 

Fuente:bbc.com/culture/article/20210624

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