Fuente y Caudal – Paco de Lucía

Francisco Sánchez Gómez, más conocido como Paco de Lucía, fue un músico, guitarrista y compositor español de flamenco. Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional, gracias a la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica.

Su legado discográfico no tiene ninguna mancha. El genio de Algeciras cuidó tanto su obra que solo grabó cuando consideraba que podía aportar alguno nuevo y rompedor.

Fuente y caudal es el título del quinto álbum de Paco de Lucía, editado en 1973 por Fonogram. Con este disco se inicia un nuevo ciclo en su carrera. El joven algecireño demuestra aquí un nivel de perfección técnica y de estilo que, hasta la fecha, no habían sido alcanzados por guitarrista flamenco alguno. La proyección tanto nacional como internacional de Paco de Lucía se hará realidad con la edición de este disco, gracias a la popularidad alcanzada con la rumba Entre dos aguas. Editado en el año 1973, Fuente y caudal tuvo también un importante impacto entre los aficionados que seguían la carrera del guitarrista, acercando además el flamenco a muchas personas que hasta entonces habían permanecido indiferentes a este tipo de música.

El disco contiene ocho temas, supuestamente, compuestos por Torregrosa y Paco de Lucía, aunque, como casi siempre, son de Paco en exclusiva. La segunda guitarra la toca su hermano Ramón de Algeciras. Se trata curiosamente de una obra forzada, para cumplir el contrato discográfico, donde tan solo la taranta que da título al álbum estaba preparada. Una vez grabados siete temas del disco, y para completarlo, se añadió una rumbita semi-improvisada (Entre dos aguas), con bajo y bongó, que catapultará definitivamente a la fama al genio de Algeciras.

Apareció en 1973, sereeditó en 1975. En 1981 apareció en serie económica en casete. Apareció en CD en1987. En 1990 fue remasterizado, y en 2003 de nuevo fue revisado para laedición en la Caja Integral. De este álbum hay 13 versiones.

Utopia – Björk

Björk Guðmundsdóttir, conocida simplemente como Björk, es una cantante, compositora, multi-instrumentista, actriz, escritora, DJ y productora islandesa, la cual ha tenido un considerable éxito a nivel mundial. Varios de sus álbumes han alcanzado el top 10 en la lista Billboard 200. Björk ha logrado que 41 de sus singles lleguen a los primeros 30 en listas musicales de todo el mundo. En el 2015, fue incluida en la lista de los 100 artistas más influyentes del siglo. Así mismo, también fue incluida por la revista Rolling Stone como una de las cantantes y compositoras más influyentes de la época actual. Pasó sus primeros años en Reikiavik Islandia, donde se convirtió en vocalista profesional a los doce años, al publicar su primer álbum, Björk. El álbum tuvo éxito en Islandia, pero no fue publicado fuera del país.

Tras haber formado algunas bandas post-punk, Björk saltó a la fama como una de las cantantes principales del grupo de rock alternativo The Sugarcubes, manteniendo un seguimiento de culto en Estados Unidos y Reino Unido. Tras la desintegración del grupo, Björk se mudó a Londres, donde comenzó una carrera en solitario.

Siguió lanzando una serie de álbumes en los que adoptó diversos géneros musicales, desde el jazz hasta la electrónica y la música experimental, obtuvo la aclamación de la crítica. Sus videos musicales, dirigidos por reconocidos directores como Michel Gondry, también han sido aclamados.

Utopia, es su décimo disco de estudio. Con una Björk feliz, maternal, feminista, sexual y más sabia que nunca, su más reciente trabajo se acomoda sin esfuerzo en lo alto del podio de sus mejores discos. A partir de un grupo de mujeres flautistas islandesas, elegidas por ella como instrumentación base para el disco, y con la adición de cantos de pájaros y beats carentes de una estructura fija, Björk logró un disco que se deja penetrar con facilidad en su multitud de texturas. Utopia se levanta como un manifiesto que enaltece el amor como motor de cualquier cambio.

La danza de los principiantes – Mi Amigo Invencible

Nacidos y criados en Mendoza, los chicos de la banda que lidera Mariano Dicesare emigraron hacia Buenos Aires para expandir sus horizontes y hacer crecer su carrera musical en la metrópolis más movediza en material cultural de Latinoamérica. Con seis discos editados, en los que tanto a la parte instrumental como a las letras se les da el mismo lugar de importancia, intensidad y profundidad, la banda de amigos ha recorrido un camino musical que muestra constancia, energía y creatividad ilimitada que se ilustra en composiciones aptas para el trance como para el pogo, así como para el romance y para la soledad.

La danza de los principiantes es uno de los trabajos de estudio de MAI. Oscuro, a veces tenue, expansivo y postpunk son algunas palabras que vienen a la mente luego de escuchar este disco. Arreglos, letras, voces, ritmo y armonía tienen aquí un tratamiento delicado que logra que la oscuridad sea amigable, entrañable y exquisita; oscuridad digna de volver a visitar dándole play nuevamente al disco. El título evoca un riesgo, una torpeza y, a la vez, una pureza del acto en movimiento: un impulso que lleva a que el baile exista a pesar de y contra lo que sea. La música de Mi Amigo Invencible, que viene abriéndose paso desde el 2007, no es precisamente principiante pero sí mantiene esa pureza de danza. Las letras, mucho más desarrolladas, se interconectan de manera diversa. Los motivos musicales melódicos y rítmicos toman fuerza generando unidad a lo largo de la obra. Quizás el mayor mérito de La danza de los principiantes sea consolidar una estética de la canción, de producción y de lenguaje de la banda mendocina. Genera una consolidación estilística potente, que posiciona a MAI en un lugar privilegiado entre las bandas emergentes de la escena argentina.

Si hay marcas en el estilo musical —como lo es la forma, uno de los principales contenidos de MAI—, una es su capacidad para sonar profundamente modernos sin perder impulso primitivo, tribal, brotando en las canciones. Así, la hermandad de las guitarras de Voloschin y Di Cesare, plagada de efectos y detalles tímbricos convive plenamente con el tandem rítmico Martín/Quatrini/Gudiño, batería, bajo y percusión respectivamente, y con la capacidad de Di Cesare, Voloschin y Castro como cantantes, para generar una interpretación que eleva las canciones de lo subjetivo a lo colectivo, a lo grupal.

El sexteto mendocino radicado en Capital combina detallismo pop y ansias de baile folk en un sesudo LP, cuya trama deja atrás el rollo indie de sus discos precursores para tejer garabatos en los que la fatalidad se viste de fina distorsión y nervio beat. El giro hacia lo minucioso, que también se abre a respiros acústicos y ambientales, suena como una proclama sobre el futuro posible del indie nacional.

Protegid – Carmen Souza

Carmen Souza es una de las jóvenes exponentes de esa magnífica generación de cantantes y compositoras portuguesas de origen caboverdiano. Protegid es su tercer álbum, cantado en creole portugués, donde despliega su voz impresionante impregnada de las melodías de su cultura estructuradas en el jazz más contemporáneo que se pueda realizar. Grabado en Portugal, Francia, Canadá y USA, cuenta con la colaboración de destacados artistas de todo el mundo (además de su banda) como el pianista cubano Omar Sosa, el brasileño Cláudio Cesar Lima Ribeiro (guitarra), el argentino Sebastián Sheriff (percusiones), el francés Marc Berthoumieux y el portugués João Frade al acordeón, el británico Derek Johnson (guitarra), el palestino Adel Salameh (oud), la portuguesa Tora Tora Big Band. Con este plantel, Carmen Souza realiza un trabajo que se mueve entre los límites de la música étnica (en especial en sus raíces caboverdianas), la world music, los ritmos afrolatinos y el jazz, como ya hiciera en sus trabajos anteriores. Con temas escritos por la propia Carmen y con música de Theo Pascal, el disco cuenta con una magnífica versión del tema originario de Cesária Évora «Sodade», mientras que «Song For my Father» es una revisión del tema clásico del jazz de Horace Silver. Y el resto de canciones dan cuenta de un sonido plagado de guiños a ritmos afrolatinos y a un jazz de salón, que resulta en un jazz fusión acompañado de increíbles inflexiones vocales con su punto justo de fraseo. Una combinación perfecta hecha con elegancia y sofisticación.

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